Новый суперпроект от создателя THE KNIFE!

ONI AYHUN: МАШИННАЯ МУЗЫКА, ПОСЛАНИЕ И ОЧИЩЕНИЕ

Около четырех недель назад я имел удовольствие видеть живое исполнение одного из самых интересных и осмелюсь сказать, загадочных продюсеров прошлого года — Oni Ayhun. Он издает свою музыку на своем лейбле, названия треков — как серийные номера, и он был совершенно неизвестен, пока не был недавно распознан как Олоф Дрейер, более известный как половина The Knife, который не Fever Ray. Его выступление было одним из самых сложных в танцевальной музыке, что я видел, временами музыка была менее техно и более какими-то звуковыми опытами, он исследовал территорию шума неожиданными способами. Это было такое выступление, которое на самом деле заставило меня написать что-то и попытаться понять его.

Я вернусь к концерту позже, сначала введу в контекст тех, кто не знаком с проектом. Музыка Oni Ayhun — логичный шаг от «Silent Shout» The Knife: часто мрачные, а порой и отчужденные звуки, цель которых — поставить слушателя в место интенсивного дискомфорта и абсолютной радости одновременно. /.../ Oni Ayhun относят к индастриалу и пост-панку, и в этом определенно есть смысл. Дрейер использует дрон и металлические перкуссии; тонкие зацикленные модуляции OAR 002 и OAR 004 — добавляет нотки диссонирующего отчуждения, и моменты жгучего белого шума в OAR 004 — это имеет больше общего с Throbbing Gristle чем все, что он когда-либо делал в рамках The Knife. Кроме того, его живое выступление добавляет элемент научно-фантастического ужаса, он манипулирует своим оборудованием как робот, он становится непохожим на человека. И чувствую, что в музыке Oni Ayhun может быть что-то еще.

Понятно, почему Дрейер хочет, чтобы Oni Ayhun оставался анонимным проектом: после того, как The Knife получили всеобщее признание, он хотел бы, чтобы новый проект начался без груза каких-то критических ожиданий. И на самом деле, он получает восторженные похвалы за первые четыре релиза. Другая причина, вероятно, что нет смысла пытаться подойти к своей работе в качестве Oni Ayhun через свою работу в The Knife. Oni Ayhun — бескомпромиссный шаг вперед в сферу авангарда. Было бы правильным классифицировать его музыку как техно, и аргументировать это наличием элементов индастриала или шумовой музыки, но, вероятно, более правильно сравнить ее с современными классическими работами Штокхаузена, Лигети, с музыкой, которая уделяет больше внимания тембру, чем мелодии, используя электронные тоны таким же способом, как если бы они были обнаружены в первый раз. Много внимания уделяется тишине, как звуку, и в этом контексте его ближайшие современники, вероятно, Ricardo Villalobos и Shackleton, которые использует минимальные ударные и басовые частоты так же органично.

Способ, которым полезно сравнить музыку Oni Ayhun на The Knife, это то, что оба проекта используют тоны для создания настроения. Дрейер использует машины и электронику для создания видения, которое можно рассматривать как отказ от современной жизни (хотя и сделанное с инструментами современной жизни). Только в индустриальной музыке существует смысл, когда человек отдавает себя полностью машине, на самом деле существует постоянная напряженность между цивилизацией и природой. Это наиболее ясно в OAR 003-B (конечно, самый любимый трек для любого поклонника Oni Ayhun) с ее глубоко резонансным басом, тонкими мелодиями и чириканьем синтезаторов, которые звучат как пение птиц. Это так же и в OAR 001 (я слышал импровизацию на саксофоне), и OAR 004-B (я слышал удары по деревяшке). Но так же, как его музыка пытается передать послание, она передает дикий и неукротимый, возвышенный элемент в OAR 003-B, как описывает Oni Ayhun на своем сайте: «экспансивная тундра и высокие горы служат как фотогеничный фон для этого замечательного приключения».

Но в живом контексте музыка Oni Ayhun действительно имеет смысл. Хотя синглы сами по себе — уникальный опыт прослушивания, но только тогда, когда в музыку допускается пространство, она начинает дышать. Его выступление началось с пульсирующего дрона. Вживую это производит гипнотический эффект, так как в значительной степени повторяющиеся структуры добавлены краткие моменты мелодии. Начнем с того, что 20 минут вступления — смелый шаг; толпа стала заметно меньше, когда началась собственно музыка. Основная часть представления состояла из разных работ, вплетенных друг в друга таким образом, что не замечаете, когда треки изменяются. Часто обозначением был новый удар паттерн хай-хэта (но это часто не означает многого). В этом контексте стало очевидно, что эти музыкальные кусочки предназначены для прослушивания последовательно. Энергия сета постоянно нарастала, не было каких-то моментов, где бы музыка строилась и потом опускалась вниз. Весь сет был пропитан странным чувством одновременной инерции и движения при действии импульса, которое я никогда не испытывал раньше в живой танцевальной музыке. Кроме того, музыка Oni Ayhun любопытна из-за нехватки басов, в результате чего она странным образом теряет основу. Соедините это с постоянной напряженностью от ритма, и у вас будет музыка, бросающая вызов разуму. Вживую этот эффект увеличивается. Ритмы техно чувствуешь нутром, но без глубоких тонов под ними, и это больше внутреннее переживание, а не элемент танцевальной музыки, и это делает его настолько физически приятным, у вас нет выбора, кроме как сконцентрироваться на элементы, которые часто теряются.

Он играл за час, пока не показалось, что все идет на спад. Он мог бы закончить, и я был бы счастлив, но мне показалось странным, что он не играл OAR 003-B, свой хит. После небольшой паузы и аплодисментов, он ее сыграл. Казалось, что это выход на бис, никакого биса не было. Всегда есть опасность того, что, когда артист играет самый популярный трек последним, все будут чувствовать себя обманутыми, что им пришлось чтобы ждать, что они хотят. Но я никогда не видел клуб, полный таких счастливых людей, это было почти как если бы этот трек обладал каждым из них, включая и меня. В этом был смысл, чтобы оставить трек до последнего. Весь сет был очень медленным, тонко построенным до этого момента. Сет был рассказом, он провел нас через темные места, спутал нас, напугал нас, и на бис был счастливый конец, конец путешествия. Ему физически удалось передать понятие возвышенного через музыку. Танцевальная музыка это просто контент, чтобы попытаться заставить нас двигаться, но редко когда нас пытаются двигать. Есть не так много электронных музыкантов, которые умеют построить подлинное описание из своей музыки, но Олоф Дрейер является одним из них.

Снимаю шляпу перед каждым, кто был достаточно смел, чтобы показать, что существует спрос на что-то немного более интеллектуальное (но все же веселое) на лондонской клубной сцене.

>> urlaubshits.co.uk